《小虫蟲大冒險》導演袁建滔專訪：AI 步步緊逼，香港動畫還有沒有未來？

　　《小虫蟲大冒險》當港產片被挑剔諸多金句，類型和技術流於過去，《小虫蟲大冒險》結合了台灣、香港、馬來西亞的製作方法，以實拍結合動畫，講述了草蜢和蝴蝶的一見鍾情後，輾轉到城市，逃離囚室、飛越藍天。當橙子滾落，像極了泥石流，再到溝渠裏漂流，甚至在輪胎縫隙中死裏逃生。那種瑣碎零件都變成龐然大物，令人夢回五十年代的科幻片代表作《縮身怪人》（The Incredible Shrinking Man）。當然後者誤中輻射，在地下室掙扎後，化為天地微塵。最終比較沉重，又用旁白昇華。《小虫蟲》有賴於肢體語言，又驚又喜，保留了童真。導演袁建滔曾以《麥兜故事》參與「動畫界奧斯卡」之稱的安錫國際動畫影展，更拿下最佳電影長片。從他的角度，香港的動畫和電影特效是怎樣講究，又有甚麼技術盲點？隨着AI「學有所成」、取替產業流程，會帶來創造力還是殺傷力？

 

合照攝於優先場

 

問：朱相楠（William）

袁：袁建滔

 

問：你曾執導《麥兜故事》、《大偵探福爾摩斯：逃獄大追捕》、 《長江7號愛地球》等改編作品，近作《小虫蟲大冒險》（以下簡稱《小虫蟲》）則是原創，是不是後者更困難？

袁：兩者無非是順水推舟，《小虫蟲》從試片到輾轉介紹，橫跨了疫情。表面上，有種很浪漫的堅持。但說到底，電影是門生意，必須短時間吸引觀眾。我從不定位自己是藝術片導演，自覺做通俗娛樂。不論是官能刺激還是搞笑，有甚麼賣點，應該要心裏有數。例如美國商業片的續集、遊戲改編、系列重啟，或宮崎駿這樣的個人品牌，觀眾很清楚自己期待甚麼。若是原創作品，粉絲基礎上當然吃虧。就算有宣傳預算，如何精準觸及受眾？不是廣告登報或電視推廣就能解決。

 

問：本片場景以小見大，代入昆蟲視角。各種傢俬、房間都是戰場，掃地機械人相當於勁敵，這樣的冒險怎樣萌生？又如何執行？

袁：我玩遊戲機大的，所以《小虫蟲》未免有些遊戲體驗。好像《盜墓者羅拉》（Tomb Raider） 這類探險遊戲或第一身射擊，往往是置於偌大的空間亂竄，現實生活中做不到那麼極致。《小虫蟲》大量的解謎、闖關、追逐，或多或少帶有遊戲感。來到現場拍攝，我和攝影師很快發現故事版作用不大，因為畫的時候沒有實景，感覺太動畫化。事後分析，始終我習慣了平面動畫，透視轉變畫得不夠。始終場面愈精細，製作愈磨人。譬如《大偵探福爾摩斯：逃獄大追捕》想得很精彩，又是大街小巷飆車，又是撞爛水果攤，但資源所限，背景只得極簡處理。這次換成實拍，用玩偶試驗，出來的電影感和動畫很不一樣。例如蝴蝶被登山客人捉走，小蜘蛛跟着後邊追，其中昆蟲和人類演員的走位，都是臨場調度。還有蝴蝶飛出廚房，要改道避開蒸氣。正是這改道，鏡頭移開，和女主人的捕蟲網擦身而過。本來是分鏡交代，結果一氣呵成。此處單憑想像力，始終現場畫面沒有真的蝴蝶。整齣戲就這樣憑空拍完，拿回來剪接，掐頭去尾。甚至天台那幾場戲，趕着拍、跳着拍，也就分不清素材的原意。只好重組鏡頭、換掉時序。部份鏡頭未必是夕陽下拍的，是我們修補而成。 

 

《小虫蟲大冒險》製作特殊。（電影劇照）

 

問：早在動畫之前，你先從事漫畫。你認為漫畫和電影分鏡有甚麼異同？ 

袁：區別很大，漫畫沒有聲音、未必有色彩，讀者自己決定節奏。至於做電影，我會反覆想，觀眾有沒有接收，畢竟作者和受眾有認知差距。如果你看書不懂，還能翻回去重讀，電影就不應該倒帶。因此電影每個鏡頭要明瞭，聲效要勾起興致。相反，漫畫你可以控制閱讀的速度，翻頁那刻發現名場面，是極為震撼的。兩者我都主張，別復述肉眼所見的。《小虫蟲大冒險》便省去了對白，硬要說「我掉下去了！」、「蝴蝶追過來了！」肯定畫蛇添足。  

 

問：坊間或影評會形容動畫具備「電影感」，例如添布頓（Tim Burton）的作品或查理卡夫曼（Charlie Kaufman）的《不正常麗莎》（Anomalisa），都有豐富的作者性……

袁：其實這幾十年觀眾已經進步了，分得清卡通片和成人動畫。《汪汪夢裡人》（Robot Dreams）和《貓貓的奇幻漂流》（Flow）更在本地票房不俗，同樣是動物交流、沒有傳統台詞，但表現手法仍有機會被嫌「不夠卡通」。有評論指《小虫蟲》的昆蟲理應有眼白，要不然演不了戲。其實我做海報時已察覺，這幾隻角色做不了生動表情。若只看一眼，並沒有故事性。正片裏，我卻可以用肢體語言彰顯戲劇，只能說是風格上的取捨。目前來說，大家是先前擔心沒對白會不會悶？昆蟲會不會嚇人？但看完出來都覺得沒問題。好像小蜘蛛第一次吐絲那段，加了濕屁音效，大家會笑。還有廚房吃苦瓜，配上擬人音效，觀眾反應很好。

 

問：全片音效、配樂強調氣氛，令日常場景變得盛大、童話化，是不是參考了冒險片的格調？ 

袁：當初我用了西部片音樂，所謂西部片就是來到蠻荒世界，隨時送命，《小虫蟲》不也是四周充滿的敵意嗎？但效果太怪了。這類音樂襯甚麼景象，我們早已先入為主。後來轉到一些自然、原始的敲擊樂和管樂，力度還是差了些，需要弦樂進一步渲染情緒。音效固然很重要，雖然沒人聲對白，但叫聲充當了對白。說來《小虫蟲》剛入圍了英國的業界獎項（Music + Sound Awards 2026），提名最佳唱片音效，對手是《嚇房》 (Backrooms）。 

 

問：既然傳統動畫的成本高昂，AI 生成是不是一條出路？有甚麼避忌嗎？  

袁：如佐治魯卡斯（George Lucas）所言，AI 是洪流，擋不住的。每隔幾年，總有改朝換代的工具。我經歷過光學特技和數碼特技交接的時期，見證着菲林被淘汰， 正如現時AI 步步緊逼，非常殘忍。你只能保持不被淘汰，沒法阻止它發展。第二，有些技術勞動真的不討喜，無謂AI 上色都反對，數碼調色不也淘汰了膠片調色嗎？但AI 有個很大的爭議，所謂的學習和擴張， 是擅取別人的素材，這點我並不自豪。只能說時勢所迫，你不這樣降低成本，甚麼都做不了。其實香港電影或流行文化，一直是時勢做英雄。之所以有黃金年代，是鄰近地區封閉，而香港和日本開放，佔盡先機。後來大家都開放了，香港便失去優勢。當市場收縮，要托起過千萬製作不容易。唯有降低起碼一半成本，才有些門路實現本地創作。當然AI 不是百分百收效，我們嘗試用AI 替《小虫蟲》做宣傳動畫，草蜢、蝴蝶都多了眼白，完全是模仿流水賬、工業化的卡通風格。之於正片，AI 頂多是補鏡或處理背景。但能不能真人預演，再用AI 翻新？這是我感興趣的。以前拍《少年Pi》（Life of Pi）要過億，現在幾千萬解決也不是奇蹟。不過我擔心市面上太多AI 視頻，尤其是消遣用途的，沒必要精算鏡頭，動作也不連貫，就這樣定義了「AI質感」。

 

《小虫蟲大冒險》難以AI 塑造。（電影劇照）

 

問：宏觀多年來銀幕上的視覺效果，無論是模型拍攝，抑或電腦特效，有哪些重要的作品激發想像？

袁： 首先是千禧年的《魔戒》（The Lord of the Rings）堅持用模型。幕後是兩層樓高的巨塔，不是普通的微縮模型。包括《銀翼殺手》（Blade Runner）用模型拍，不能太迷你。若要煙霧效果或起浪，比例上落差太大，就會很假。這種空氣遠近法，或者用武器來衡量大小，算是比較傳統的技法。你見到實物和特效結合，那種質感已盡可能真實。那時《魔戒》團隊還開發了「MASSIVE」 （特效軟體）來製作千軍萬馬的場面，那是前所未見的。今時今日，幾乎沒有特效叫大家「嘩！」一聲驚嘆。以至《小虫蟲》，我會更想維持真實感。若光天化日下，特效充滿瑕疵，又不用剪接解決，就會很出戲。《奧德賽》（The Odyssey）那隻獨眼巨人也是在洞穴裏，還能半遮半掩，總之不能讓觀眾很留意「那是假的」。尤其是生物質感特別難做，不像《變形金剛》 （Transformers）那麼人為。如果說香港電影，我小時候看的《蜀山》已出盡當時的所有招數，印象很深。整體來說，特效很強調設計感的。那種戰力比拼要顯著、有章法，否則滿眼特效拍出一場混戰，就沒意思了。 

 

問：為甚麼動畫轉為真人電影經常惹來爭議？

袁：有些真人版電影選用特攝，夠不夠逼真是一回事。鏡頭角度是不是合理？有沒有考慮到人類視角？是不是基於現實的物理世界？要仔細斟酌。造型更加棘手，可能動漫裏綠色頭髮是可以的，但現實中未必好看。就看導演的取向，是偏向卡通抑或偏向寫實。老實說，我很想拍IQ博士，但翻拍成真人版，我心目中的小雲不會是紫色頭髮。以新版的《生化危機》為例，主角相當於普通玩家而不是職業軍人，所以手忙腳亂，那種應急的反應會讓人共鳴。

 

問：曾有電影用真人實拍的動物，利用剪接拼湊出故事，《小虫蟲》有沒有想過這種記錄再加工的形式？

袁：你說的這種方法有點像《雪地紅狐歷險記》（The Glacier Fox），明明是自然紀錄片，卻有把磁性的旁白引導着。我記得是悲劇告終，很牽動人的。那是種另類的取向，《小虫蟲》倒沒這麼想。

 

問：談談你情有獨鍾的電影電視吧。

袁：我很喜歡《夜海傾情》（The Big Blue），很有武俠片的味道。兩個男人從小到大徒手潛水，雖是對手但識英雄重英雄，拍得很浪漫，不輸導演最有名的《這個殺手不太冷》（Léon）。《保衛奇俠》（Watchmen）電視劇相當精彩，本來電影版已跨越兩個時間段，但劇版從後期跳到最前面的階段，敘事時空上很有想像力。另外要提《冰血暴》（Fargo ）第五季，也是有電影版的，都是講又蠢又貪心的人遭殃，招致嚴重的後果。開頭是冰天雪地，第五季卻是西部荒原，女主角逃出來報仇，過程中暴力加幽默，簡直是雙重刺激。最後《末日先鋒：戰甲飛車》（Mad Max: Fury Road）是看完太過癮會勸人進場，有種難得的興奮。

 

洛比桑早期佳作。（《夜海傾情》劇照）